Что такое art sound
Что такое art sound
Интересно, что ты сказал «дополняться» визуальным рядом или ритуалом. Чаще всего бывает другая история — когда визуальное или перформативное искусство сопровождается звуком. И я бы не сказала, что это можно назвать саунд-артом, это все-таки нечто междисциплинарное. В этом смысле ни то ни другое не является саунд-артом как таковым.
Может ли звуковое искусство быть самодостаточным? Я бы ответила, что оно не может быть — оно должно быть самодостаточным. Я, например, работаю на границе между жанрами и медиумами и свои работы не могу назвать чистым саунд-артом, они всегда на стыке. Я думаю, что работа со звуком всегда должна быть оправдана. Если вы нашли звуковой феномен, который хотите показать в выставочном формате, то воплощение может быть любым, но звук должен быть первичен.
Программа, направленная на получение системных знаний по теории современного искусства, критической теории и управлению художественными проектами.
Программа Современная теория
Для художника необязательно быть музыкантом. Все, что делается в звуковом искусстве, затрагивает физику звука, особенности его восприятия. Этим занимается, например, психоакустика. Но знания могут быть и на уровне школьной программы. Дальше, если тебе нужны какие-то комплексные вещи, ты можешь обратиться к специалисту.
Музыкальное образование часто мешает, потому что учит мыслить в тональном режиме — перестроиться на что-то экспериментальное может быть сложно. Тут, скорее, не музыкальное образование необходимо, а звукорежиссерское, хотя у него тоже совсем другие задачи.
Музыка и саунд-арт, конечно, связаны, и тут вопрос в том, что считать музыкой. Композитор Эдгар Варез, например, говорил, что музыка — это организованный звук. Поэтому второй вопрос — как звук будет организован. В саунд-арте он может быть любым. Это могут быть звуки музыкального инструмента, а могут быть и записи, которые мы сделали на рекордер.
Жанры вроде нойза или эмбиента нельзя назвать экспериментальными, ведь они уже сложились, а экспериментальное — это то, что не называется никаким жанром. Возможно, они были близки к саунд-арту, когда только зарождались, но сейчас они больше относятся к клубной культуре.
Классика экспериментальной музыки, например, «гудковая» симфония Арсения Авраамова — это практически то, с чего начался саунд-арт. Это музыка, которая создается не абстрактными нотами, не имитирует месседж, идею или задачу. Она сама является этой идеей. В «гудковой» симфонии гимн индустриальному миру создается не имитацией звуков индустрии, а самими звуками индустриального мира. Мы можем «сыграть» это только на настоящем промышленном производстве. Все началось с «игры» на звуках окружающей среды — дальше эти идеи художники используют по-разному.
О компании
Бренд Art Sound был создан в 2000 году группой инженеров американской компании Audio Art. За эти годы Art Sound смог в условиях жесткой конкуренции занять достойное место среди лидеров рынка.
Одной из причин успеха компании является то, что она все годы придерживается одной философии – оптимальный ассортимент, никаких лишних моделей в модельном ряду, никаких лишних нефункциональных наворотов в продукте, если это не влияет существенным образом на звук и удобство пользователя.
При этом никаких компромиссов в качестве и дизайне.
Добавьте к этому отказ от огромных расходов на рекламу, которые, в конечном счете, закладываются в цену, и получим идеально сбалансированный и доступный продукт.
Установка несложной системы Art Sound под силу большинству автомобилистов. Минимум компонентов, небольшие габариты, подробная техническая документация на русском языке и полный набор необходимого для установки «железа» существенно облегчат задачу. Если же самому заморачиваться не хочется, то доверить установку можно любому приличному сервису, которому вы бы доверили поставить сигнализацию.
В ассортименте компании есть всё необходимое для создания автомобильной аудиосистемы высокого класса.
Авторитетные журналы много раз по итогам тестов присуждал высшие награды продукции Art Sound. Продукция бренда пользуется заслуженным уважением, как у профессионалов, участвующих в различных соревнованиях по автозвуку, так и у широкого круга ценителей качественного звука в автомобиле.
DRIVE ON.
Добавь драйва!
Бренд Art Sound был создан в 2000 году группой инженеров американской компании Audio Art. За эти годы Art Sound смог в условиях жесткой конкуренции занять достойное место среди лидеров рынка. В ассортименте компании есть все необходимое для создания автомобильной аудиосистемы высокого класса.
Sound Art или Музыка:
в чём разница?
В предыдущих наших статьях несколько раз упоминался термин sound art, но можем ли мы дать чёткий ответ на вопрос: что же это такое? Ведь когда мы говорим о звуке в мире искусства, то мы в первую очередь вспоминаем о музыке. Даже когда мы обсуждали героев вышеупомянутых статей, мы говорили о них в основном как о композиторах и музыкальных деятелях, пусть и весьма необычных. В чём же тогда заключается разница между саунд артом и музыкой? Можно ли называть музыкантов художниками, а художников, работающих со звуком — музыкантами? В этой статье мы попытаемся ответить на этот вопрос, а также разобраться в том, с чего началась проблема с определением sound art’а, как отдельного направления в мире искусства.
Сам термин sound art появился во второй половине ХХ века, а если быть точным, то в 70-ых годах, однако своё зарождение данное направление встретило гораздо раньше. Если уходить совсем далеко, то первые предпосылки больших изменений в мире музыки и звука случились ещё во времена индустриальной революции в Европе. Многим это может показаться странным, но причиной тому стал механический шум. Только представьте, что до появления заводов, машин, станков и прочих громких устройств, механический шум не был чем-то обыденным.
Это сейчас, живя в больших городах, мы сталкиваемся с подобным явлением каждый день. Более того, не стоит забывать, что работали на первых заводах в том числе женщины и дети. Так что шум стал в каком-то смысле неотъемлемой частью жизни многих в те времена. Не стоит, правда, думать, что концепция шума родилась тогда же, ведь она существовала задолго до этого. В наше время проблема шума всё ещё существует. Именно поэтому google периодически предлагает вам убавить громкость в наушниках, а многие квартиры проектируются с шумоизоляцией. Помимо этого, можно считать индустриальную революцию некой условной точкой отсчёта, с которой началось бурное развитие технологий, повлекшее за собой немало самых разных последствий как для всего мира, так и, в частности, для музыки и звука. Об одном таком изобретении мы уже говорили в рамках статьи, где сравнивалась современная музыка и музыка прошлого.
Тем не менее общепринято отсчитывать зарождение sound art’a от 1913 года, а именно от манифеста итальянского футуриста Луиджи Руссоло (Luigi Russolo) под названием The Art of Noise (Искусство Шума).
Эта работа повествует о желании Руссоло создать новый вид искусства, а именно музыки, которая будет полностью состоять из шума. Луиджи расписал в своём манифесте/письме не только основной подход к созданию подобных композиций, но ещё и в каком-то смысле выделил их основные отличительные черты, некоторые из которых в определённом виде присутствуют и в современных музыкальных композициях. Впоследствии итальянские футуристы на основе данного манифеста строили свои музыкальные инструменты под названием intonarumori, что в грубом переводе можно понять, как «шумовики».
К числу таких можно смело отнести Пьера Шеффера (Pierre Schaeffer), который вошёл в историю благодаря своей концепции Musique Concrete, появившейся в 1948 году.
Термин Musique Concrete в буквальном переводе означает «конкретная музыка». Благодаря портативным микрофонам и магнитофонам стало возможным вести запись практически где угодно. Это позволило таким энтузиастам, как Пьер Шеффер собирать целые коллекции различных звуков и собирать из них музыку.
Собранные материалы затем подвергались различной обработке. Звуки проигрывались задом наперёд, ускорялись до резкого писка или же замедлялись до протяжного гула, обрубались в момент кульминации и т.д. Сейчас все эти манипуляции не вызывают особого удивления и делаются довольно просто, но не стоит забывать, что речь идёт о первой половине ХХ века и выглядел этот процесс примерно так:
И всё же мы всё ещё говорим о вышеперечисленных работах как о музыке. Даже несмотря на то, что Пьер Шеффер, к примеру, считал свои произведения не музыкой, а скорее экспериментами, сейчас мы рассматриваем их с музыкальной точки зрения, да и позднее его эксперименты весьма сильно повлияли на различные музыкальные жанры и на таких гигантов как The Beatles и Pink Floyd. Подобные произведения не считались музыкой, и поэтому они воспринимались как что-то отдельное. Но сейчас, когда культурный шок прошёл, мы уже готовы воспринимать эти работы как музыку. Получается, что sound art перестал существовать?
Для того чтобы разобраться, когда именно звук стал материалом в мире искусства, не связанным с музыкой, нам придётся вновь обратиться к уже знакомому нам герою — Максу Нойхаусу (Max Neuhaus). Если помните, то там в определённый момент мы начали рассматривать Макса Нойхауса как художника, а не музыканта. Он первый ввёл в обиход термин «звуковая инсталляция», описывая свои работы. На вопрос о том, что же такое sound art, Макс Нойхаус отвечал, что это тот момент, когда звук превращается в скульптурный материал. Для более полного понимания этого утверждения давайте ответим на вопрос: что играет ключевую роль в восприятии звука?
Если не углубляться в подробности, то на это влияют три основные составляющие. «Тело», то есть вы и ваше восприятие. «Время» – когда звук прозвучал, сколько он длился, его ритм и т.д. И «пространство» – где прозвучал звук, как это место искажает его, какую имеет историю и т.д. Для музыки ключевыми параметрами восприятия являются «тело» и «время», ведь для композиторов в первую очередь самым важным является расположение звуков во времени. «Пространство» тоже играет свою роль в музыке, но не столь значительную. Но в рамках sound art’а «пространство» имеет наиважнейшее значение. Ведь если посмотреть на произведения того же Нойхауса, Ла Монте Янга (La Monte Young), Сьюзан Филипзс (Susan Philipsz), Джанет Кардифф (Janet Cardiff), то можно заметить, как при переносе из одного места в другое работы теряют свой смысл. С большинством музыкальных произведений, особенно с появлением наушников, подобного не происходит.
Так существует ли sound art как явление в художественном мире? Если вам показалось, что однозначный ответ «да», то не стоит быть столь уверенными. Грань между звуковым искусством и музыкой с момента зарождения первого с каждым годом становится всё тоньше и тоньше. Старые определения и концепции устаревают, а новые не успевают сформироваться. Кто знает, может, когда-нибудь эта грань исчезнет насовсем, а пока пусть каждый сам для себя ответит на вопрос: существует ли сейчас sound art и если да, то как его отличить от музыки?
История саунд-арта: симфония улиц, звуковые скульптуры и музыка сердечных ритмов
Ksenia Vityuk
Термин «саунд-арт» вошел в употребление только в 1990-х, хотя многие художники и до этого изучали возможности звуковой среды и ее интеграции в мир искусства и повседневной жизни. Но именно в последнюю декаду XX века саунд-арт стал не просто категорией так называемой экспериментальной музыки, а оформился в полноценное направление искусства, предназначенное в равной степени для слуха и зрения. T&P вспоминают, к чему привели первые эксперименты в этой области — от «меблировочной музыки» до звуковых коллажей и концерта тишины.
Луиджи Руссоло и модуляторы шума
Этого итальянского художника-футуриста считают фигурой, провозгласившей новую эпоху в экспериментальном звуковом искусстве. В свое время Руссоло бросил занятия живописью и сконцентрировался на изучении шумов и звуков, став первооткрывателем эмбиента — музыки шума. В 1913 году появился манифест Руссоло «Искусство шумов», в котором декларируется необходимость перехода от прозрачной чистоты, сладости звука и нежной гармонии к странным и резким звукам: «Мы будем забавляться, мысленно оркеструя хлопанье входных дверей магазинов, гул толпы, различные гаммы вокзалов, кузниц, прядилен, типографий, электрозаводов, подземных железных дорог».
Не остановившись лишь на теоретическом утверждении шумового искусства, Руссоло изобрел новые музыкальные инструменты — интонарумори (intonarumori), своеобразные модуляторы шума, способные имитировать реальные звуки — взрывы, жужжание, гул толпы, шипение. Все шумы, которые можно было произвести, Руссоло поделил на шесть различных категорий, каждой из которых соответствовал свой музыкальный инструмент. Для этих инструментов он сочинял музыку, всякой своей композицией утверждая «шумозвук» и стараясь передать звучание души индустриального города (о чем красноречиво свидетельствуют названия его музыкальных произведений — «Восстание», «Динамизм движения женщины», «Встреча аэропланов и автомобилей»).
Эрик Сати и музыка вместо мебели
Изобретатель «меблировочной музыки» и предвестник минимализма Эрик Сати в середине 1910-х перевернул общественное представление о музыке и стал идейным вдохновителем Стравинского, Дебюсси и Джона Кейджа. Музыкальная находка Сати родилась из так называемой досадной музыки: однажды он написал пьесу «Досада», где музыкальную тему рекомендовалось повторить 840 раз. Из досадных повторений и берет свое начало «меблировочная музыка», в основе которой лежит скука. По сути это фоновая музыка, которую не нужно слушать специально и которая идеально подходит для сопровождения обыденных повседневных действий человека — похода в магазин или приема гостей.
Композицию «Обои в кабинете префекта» нужно было слушать именно в кабинете префекта. «Звуковой плиточный пол» был призван стелиться под ноги во время ланча или при заключении брачного контракта. «Занавеска без окна» должна была помочь скоротать долгие осенние дожди, а повторяющаяся до бесконечности мини-композиция «Еще стаканчик вина» проигрывалась тогда, когда у слушателя появлялось желание выпить.
Арсений Авраамов и «Гудковая симфония»
Один из первых экспериментаторов в области саунд-арта — советский авангардист Арсений Авраамов — в 1923 году попытался сделать слушателем музыки каждого жителя города, выстроив из звуков городских фабрик, кораблей, самолетов и других звуков мелодии Интернационала и Марсельезы. Роль музыкальных инструментов в этой композиции должны были выполнять всевозможные шумы городского пространства: машины, механические устройства, заводские и паровые гудки, а также пистолетные и пушечные выстрелы, используемые композитором в качестве ударных.
«Гудковую симфонию» сыграли дважды — в Баку и в Москве. Она стала предтечей возникновения «конкретной музыки», конструируемой исключительно из природных звуков и окружающих человека повседневных шумов.
Эдгар Варез, Янис Ксенакис и «Электронная поэма»
Франко-американский композитор Эдгар Варез подхватил идею «конкретной музыки», совместив ее со своими представлениями об электронике, а также с архитектурной концепцией музыки Яниса Ксенакиса, и представил ее в 1958 году на Всемирной выставке в Брюсселе в павильоне компании Philips. В этом павильоне особой формы, внешне напоминающем арфу, было определенным образом размещено 425 громкоговорителей. Они исполняли композицию «Электронная поэма», основанную на математических принципах моделирования музыки.
Эротика звукового сюрреализма и
Композиторы, учившиеся у первопроходцев «конкретной музыки», привнесли в нее больше жизни, разбавив индустриальное звучание города отголосками других сторон жизни. Они сочетали новаторские подходы к музыке с заимствованиями из других видов искусства. Своими музыкальными экспериментами композиторы-сюрреалисты утвердили в музыке такое понятие, как «саунд-коллаж». Так, французский композитор Люк Феррари в 1968 году записал стоны двух девушек, занимавшихся сексом, а затем сделал звуковой коллаж из этой условной музыки плотской любви — «Danses Organiques». А его соотечественник Пьер Анри превращал в музыку звуки, записанные им на кинопленку, сочетая таким образом мастерство композитора с киноискусством.
Джон Кейдж и
Американский философ, поэт и композитор Джон Кейдж, начавший свой творческий путь в весьма традиционных рамках, быстро вышел за пределы стандартного понимания звуковой гармонии и провозгласил тезис — «всякий звук является музыкой». Причем звуки не обязательно должны быть идеально выверенными и следовать в строго определенной последовательности друг за другом.
Кейдж был проповедником алеаторики — нарушений в музыкальной структуре композиции. Он намеренно создавал помехи, помещая внутрь пианино разные предметы, которые деформировали звучание инструмента, и вносил в музыку элементы случайности, разбрызгивая чернила по нотной бумаге или руководствуясь пятнами от кофе, разлитого на нотный стан. Кроме того, Кейдж организовывал саунд-перформансы — например, на время становился дирижером настроенных на разные волны радиоприемников.
Самый известный саунд-перформанс Кейджа — «4′33″», музыкальная композиция стандартной трехчастной структуры, где для произвольного количества музыкантов прописано только одно действие: tacet — «сохраняй тишину». Благодаря воцарявшейся во время исполнения композиции тишине оркестр имел возможность на 4 минуты 33 секунды поменяться с публикой местами — именно звуки, неизбежно производимые слушателями, становились основным объектом звукового внимания в этой композиции.
Звуковые скульптуры
В середине ХХ века братья Бернар и Франсуа Баше начинают делать экспериментальные музыкальные инструменты и дают развитие новой категории саунд-арта — созданию «звуковых скульптур», которые не только звучали на концертах или записях, но и выставлялись в музейном пространстве. Их идею подхватило множество саунд-художников. Жан Тэнгли, например, делал скульптуры — музыкальные инструменты из консервных банок и деревянных колесиков. Звук из них извлекался с помощью ручья: поток воды бил по банкам с разной скоростью и под разным углом. Его же изобретение — «метамеханические» скульптуры, издающие случайный набор звуков из-за поворота шестеренок в металлических конструкциях.
Сейчас звуковые скульптуры — явление крайне распространенное, звуки можно извлечь практически из всего. Например, на некоторых морских побережьях установлены «морские органы» (музыкальные инструменты, музыку в которых через серию труб создают морские волны) или «поющие деревья» (в них музыку генерируют порывы ветра). Другим примером подвижной звуковой скульптуры можно считать цветную, или цветовизуальную, музыку, созданную при помощи специальных органов или фортепиано, позволяющих по ходу развития музыкальных тем проецировать на экран множество цветовых оттенков.
Саунд-инсталляции
С тех пор инсталляции в музыке начали возникать одна за другой: один из наиболее впечатляющих примеров — инсталляция «Drive-in Music», расположенная на скоростном шоссе. Передатчики улавливают скорость автомобиля и в зависимости от нее транслируют звуковые фрагменты по радиоволнам — таким образом, каждый водитель получает индивидуальный слуховой опыт. Еще один показательный проект — «Электрические прогулки» немецкой художницы Кристины Кубиш: благодаря специальным наушникам можно услышать электромагнитные поля города, превращенные в звуки.
Саунд-скейп и звуковые карты
Саунд-скейп — звуковое окружение, передающее атмосферу определенных мест, — стал логичным продолжением «конкретной музыки». Саунд-скейп-музыканты работают со звуками городов, рынков, природы, лесов и океанов, животных, растений, космоса и так далее — при этом записанные звуки часто проходят компьютерную обработку. Саунд-скейп помогает создать звуковые карты местности, которые могут быть использованы как «капсулы времени», помогающие восстановить звуковую характеристику любой местности. Саунд-художники собирают у себя целые коллекции подобных карт: «звуковые отпечатки» улиц, городов и целых стран.
Биомузыка
Исследования основных биологических процессов, происходящих в человеческом теле, привели к возникновению биомузыки, программируемой физиологическими процессами. В 1965 году американский экспериментатор Элвин Лусьер написал композицию «Музыка для исполнителя соло», где альфа-волны мозга, зафиксированные специальным аппаратом, управляли звучанием ударных инструментов в музыкальном произведении. А позже был создан электрокардиофон — музыкальный инструмент, использующий сердечные волны для генерирования звуков.
Art Sound AS 5.2
Алюминий, из которого выполнен диффузор мидбасов Art Sound, покрыт столь глубокой анодировкой, что сгоряча его можно принять за серый полимер. (Это мы уже проходили, теперь нас не проведёшь.) Повышению жёсткости диффузора способствует сопряжённый (52 мм) центральный колпачок из этого металла. Корпус динамика толстый и основательно заглушённый. Диаметр осевого отверстия всего 4 мм — видно, разработчики решили организовать обдув керна, минимально жертвуя полезным магнитным потоком. Внешний диаметр магнита 80 мм. Уплотнительное кольцо на внешнем ободе корпуса присутствует, но оно невысокое. Комплектная рамка решётки монтируется снизу. Перед алюминиевой мембраной пищалки (26 мм) — диск с широкой апертурой. В состав монтажных принадлежностей входит корпус для поверхностной установки с углом разворота оси 45 или 25 градусов. Пищалка может поворачиваться внутри корпусов для монтажа на поверхность и «в тело». Кроссовер образован двумя катушками с сердечниками из железа и двумя конденсаторами, один из которых полиэфирный, второй — электролитический. Защита пищалки от перегрузки возложена на галогенную лампу. Переключатель позволяет выбрать уровень твитера из двух значений 0/-3 дБ, формула кроссовера самая ходовая: II + II.
С помощью магнита не самых выдающихся размеров достигнут чуть ли не самый высокий показатель силового фактора: 4,71 Тл м. Это означает, что обеспечение запредельного запаса мощности не входило в число основных приоритетов разработки. Впрочем, мы с вами должны понимать, что уровень громкости мидбасов обычно ограничивается не величиной рассеиваемого тепла, а уровнем искажений, то есть возможностями подвеса и/или геометрией магнитной системы. В данном случае искажения на средних частотах не вызывают опасений, хотя и они выше, чем у многих участников, но на верхнем басе уровень к.н.и. достиг 5-процентного барьера. Основной источник нелинейности — магнитное поле. Форма осевой АЧХ внушает уважение — добиться такой покладистости от металлического сплава удаётся не всем. Твитер по энергетике заметно превосходит мидбас, в большинстве инсталляций предпочтительным будет нижнее положение аттенюатора.
Для ящика с объёмом двери расчёты дают аудиофильскую результирующую добротность 0,72 и нижнюю частотную границу 85 Гц. Теперь пробуем ящик 2,5 л, получаем добротность 1,07 и F3 (так обозначают эту границу) 102 Гц. В реальности граница получится ниже, так что перед нами мидбасы универсальной инсталляции.
КТО
Art Sound AS 5.2
ПОЧЕМ
$112
ЭТО — ПЛЮС
Пригоден для кикпанелей
ЭТО — МИНУС
Повышенные нелинейные искажения
Слишком энергичный твитер
ОДНИМ СЛОВОМ…
Довольно басовитая акустика для дверей и кикпанелей
РЕЙТИНГ
Конструкция 8
Частотная характеристика 8
Чувствительность 8
Басовый потенциал 9
Звук 9
Итог 42
Ivolga VC-5.21 • Ural AS-P1326K • Mystery MW 5.5 • Hertz DSK 130 • Kicx GFQ-5.2 • MTX THS 502 • Soundstream LS.50C • Art Sound AS 5.2 • DLS PS5 • MB Quart DSF 213 • JVC CS-FS5 • Magnat Xcess 213