Что сложнее всего рисовать
Самые трудные техники в рисовании
by Artfonica · April 13, 2013
Рисование — интересный и в то же время сложный процесс. При обучении рисованию могут использоваться разные техники. В прошлый раз мы уже говорили о самых известных техниках рисования. А сейчас рассмотрим самые трудные техники в рисовании.
3D pисунки на асфальте
Рисунки на асфальте, выполненные в технике 3D, поражают своим реализмом и иллюзией объема. Только настоящий талантливый художник может выполнить работу такой сложности. Ведь для этого нужно владеть техникой видения перспективы, знать все условия построения композиции и еще много чего уметь. Необычные, волшебные объемные картины поражают любого человека своей реалистичностью. Никого не может оставить равнодушным, когда на плоской поверхности асфальта вдруг появляются абсолютно объемные сюжеты. Ты стоишь на асфальте, а под тобой пропасть. Ощущение такое, что дух захватывает. Начинает кружиться голова, и человек теряет равновесие. И ощущение это настолько реальное, кажется что ты сейчас провалишься туда вниз.
Не зря многие люди стараются сохранить на память эти картинки, и самим сняться на фоне этого чуда. Конечно, фотография запечатлевает картину, но не может сохранить эмоции, которые она вызывает в реальности.
Рисунок на асфальте
Техника рисования портрета действительно принадлежит к самым трудным. Чтобы овладеть этой техникой нужно изучить правила портрета, знать основы рисунка, пропорции человеческого лица, индивидуальные отклонения от классических пропорций. Самое трудное при рисовании портрета — это передать сходство. Поэтому учиться рисовать портреты легче не с живых людей, а с уже готовых изображений. Постепенно вы будете приобретать навыки рисования портрета. Еще один метод, который может помочь научиться, это поэтапное, или пошаговое рисование. Например, программа «Как рисовать» предлагает пошаговые схемы портретов известных людей. Для начинающих портретистов это может быть очень полезно. Потом вы уже сами научитесь передавать особенности любого лица.
Техника рисования портрета
Энкаустика — техника рисования воском при помощи утюга. На разогретый утюг наносятся восковые мелки, потом воск методом глажения переносится на бумагу. Так с помощью горячего воска можно создавать удивительные рисунки. С одной стороны ничего сложного вроде бы нет, но чтобы получилась по-настоящему красивая картина, нужна практика, как и в любом другом деле, а также художественное видение.
Техника рисования воском при помощи утюга
Как бы ни была сложна техника, которую вы выбрали, помните, что освоить ее вам помогут практика, терпение, целеустремленность. Конечно, на первых порах далеко не все будет получаться, но не отчаивайтесь. Используйте программы рисования с пошаговыми инструкциями, разработанные специально для этой цели. Часто схемы в такой программе бывают разной степени сложности, то есть вы можете идти от простого к более сложному. Кроме того, можно попробовать рисунки разных стилей, и мультяшные, и реалистичные. И так постепенно вы сможете освоить любую технику, которая вам по душе.
Скетчи — лучший способ научиться рисовать что угодно
Как превратить быстрый корявый скетч в рабочий инструмент концепт-художника? Рассказываем на примере курса «Скетчинг и форма». Упражнения и советы из статьи можно использовать вне курса.
Скетчинг решает много разных задач: тренирует, ускоряет рисование, помогает найти нужный дизайн или позу для персонажа. В основе любой художественной работы лежат скетчи. Даже если очень опытные художники их не прорисовывают или не показывают, они все равно где-то есть — на отдельных листах или хотя бы в голове автора.
Что угодно в мире можно упростить до композиции из кубов, цилиндров, сфер и т.п. Научившись рисовать эти объекты в разных ракурсах, вы сможете нарисовать практически что угодно: людей, технику, предметы одежды, даже целые иллюстрации.
Вот так до примитивов упрощается фигура человека:
Скетчинг позволяет художнику мыслить формой — в голове или на бумаге. Что это значит?
Мы будто загружаем себе в голову пакет трехмерной графики или устанавливаем драйвера. Когда мы не знаем, как воплотить задуманный результат, то попадаем в тупик. Выйти из него можно, думая “через форму”, и скетчинг как раз позволяет нам ее понять. Мы не только можем выражать через форму свои идеи, мы и мир вокруг можем понимать через нее
Иван не единственный, кто так думает. Вспомним Ким Джун Ги — того самого корейца, который рисует сложнейшии иллюстрации «из головы». Его часто спрашивают, как это он все рисует без построения, а он отвечает: я представляю все через кубики. То есть, все эти мегакомпозиции – это все кубики в разных ракурсах в его голове. Мысленно помещая сложный объект в куб, он представляет, как фигура ведет себя в пространстве и дальше с этим работает. По сути, тот же скетчинг — просто мысленный.
Мы поняли, какие задачи решает скетчинг и зачем он нужен художнику. Начнем его изучать.
Так как все в мире состоит из примитивов, занятия на курсе Ивана Смирнова «Скетчинг и форма» начинаются с освоения простых геометрических форм. В рамках первого упражнения студенты «вращают» на плоскости куб, цилиндр, шайбу и другие простые объекты по несколько десятков раз в течении нескольких дней.
Это основная, но не единственная степень сложности этого задания. Если студенту она дается легко (что бывает не часто), он может попробовать изобразить вращение сразу по нескольким осям или покрутить более сложный предмет.
При этом действуют несколько правил:
По мере вращения вашего кубика или цилиндра стоит возвращаться к изначальному примитиву и сравнивать, насколько они похожи с теми, что получились дальше.
В этом упражнении студенты крутят примитив вокруг одной оси, при этом по другим осям он должен быть жестко зафиксирован. Умение это отслеживать и контролировать в будущем позволит более качественно справляться со скетчингом пропсов или чего бы то ни было еще в пространстве.
Можно пометить себе стрелочками, по какой оси будет вращаться примитив. Еще можно прибегнуть к помощи 3д-редакторов или покрутить настоящие предметы в руках. Однако важно, чтобы в результате процесс построения не превратился в простое срисовывание.
Абстрактные композиции — основа для блока по дизайну, который начинается на второй неделе обучения. В конце концов, скетчинг ради скетчинга — это скучно, а вот применять его для решения практических задач куда веселее.
Студенты знакомятся с основами композиции и потихоньку начинают осознавать, как добавляемые ими элементы влияют на ощущение от работы. Это упражнение здорово работает вместе с более техническим упражнением по вращению примитивов. Оно разбавляет сухость первой домашней работы и делает ее более многогранной
Иногда студенты забывают применять знания, полученные ранее: о композиционном центре, об иерархии элементов в дизайне, о чередовании зон детализации и отдыха и других полезных вещах.
Можно записать в чеклист основные принципы композиции, подкрепить их зарисовками из лекции и периодически обращаться к нему. Конспект в любом случае не помешает.
Итак, мы с вами поняли, как рисовать цилиндры, кубы и т.п. После разобрались, как сочетать формы на плоскости так, чтобы они выглядели цельной композицией. Что дальше?
Пора разобраться в основах дизайна и применить полученные знания, придумав свои первые предметы.
Возможно, этот курс стоило бы назвать «Скетчинг, дизайн и форма», так как дизайну в общем и созданию пропсов в частности тут уделяется много внимания. Стоит отметить, что тему дизайна мы поднимаем на каждом курсе — от основ до погружения в специфику. Зачем? Можно ответить словами Ивана Смирнова:
У нас нет ни одного курса в рамках школы, который был бы “только про рисование, и чтобы не дай бог мы еще людей при этом думать учили”. Ни один навык не нужен в вакууме. Нет, они нужны, конечно, но если у вас далеко идущие планы — найти работу, нарисовать свой проект и т.п., то знания в вакууме вам не нужны. Вам нужно то, что вы сделаете с помощью этих знаний.
На этом этапе студенты делают несколько десятков скетчей с разными игровыми предметами: сапоги, мечи, посохи магов, щиты, кубки.
Правила в этом упражнении во многом похожи на правила предыдущего:
Проблемы здесь встречаются диаметрально противоположные. Студенты могут как совсем игнорировать качество своих работ, не задумываясь, понятны ли они окружающим, так и быть зацикленными на нем. С последней крайностью справиться бывает сложнее. Если студент привык показывать только идеально выверенные, отшлифованные до блеска работы, ему может быть непросто привыкнуть, что на курсе ему нужно делать быстрые наброски, не углубляясь в их финальное качество. На это просто не будет времени.
Студентам-перфекционистам стоит убедить себя попробовать новый метод работы и постараться не думать о том, что работа выглядит не так хорошо, как могла бы. Основная цель сейчас не сделать лайн для портфеля, а потренироваться для себя, по сути, в стол.
Тем же, кто пока не понял, как сделать формы читаемыми, стоит продолжать рисовать — за время курса и последующего челленджа скетчи обязательно улучшатся. Верьте в практику!
Некоторые студенты боятся рисовать пропсы сразу в объеме, минуя плоские проекции. Проблема в том, что без практики никак не получить необходимый опыт, так что как ни крути набивать шишки все-таки придется.
Лечение здесь простое и в то же время сложное: нужно просто начать это делать.
Некоторые студенты невнимательно работают с с референсами или вообще пренебрегают ими. Даже в задании, где на это идет упор. Возможно, кому-то кажется, что рефы — это “читерство”, но это не так.
Стоит уделять больше внимания подбору и анализу референсов — без них вы быстро упретесь в тупик и не будете понимать, куда двигать дальше.
Потренировавшись в основах дизайна и разобравшись с примитивами, можно переходить к серьезным задачам. Первая из них: нарисовать сто пятьдесят скетчей. Тридцать из них должны состоять из двух простых форм, следующие тридцать — из трех, после из четырех и так далее.
Зачем нужны эти 150 набросков? Чтобы точно понимать, как самые разные формы взаимодействуют друг с другом, отточить построение и привыкнуть рисовать быстро. Закончив 150 скетчей, студенты гораздо быстрее и качественнее выполнят следующее упражнение — дизайн разных пропсов, по несколько скетчей на предмет.
Теперь студенты переходят к созданию полноценных пропсов. В процессе учитываются все полученные знания: композиция, дизайн, понятные формы, правильная работа с референсами. Цвет все еще не вводится — хотя бы на время обучения его лучше отложить на потом, чтобы не думать обо всем сразу.
Справиться с этим помогает внимательный анализ референсов. Старайтесь понять, как другие художники работают с формой и, конечно, побольше практикуйтесь, думая о том, как решить эту задачу. На курсе мы также прибегаем к намеренному утрированию форм — стилизация здорово облегчает освоение материала
Небольшой урок в помощь:
Часто студенты упираются в определенный результат и, не зная как улучшить его, быстро переключаются с поиска базовой композиции форм на проработку мелкой детализации внутри них. Такой резкий скачок — прямой путь к не самым выразительным, а если деталек еще и много — к плохо считываемым решениям.
Отложить прорисовку деталей на самый конец поиска.
Цвет, тень и полировка вводятся в самом конце, на этом этапе. Почему? Художники с опытом могут думать обо всем сразу, начинающим же лучше разделять рабочий процесс на шаги.
Сейчас тоже действует несколько правил:
Преподаватель курса «Скетчинг и форма» Юлия Филимонова подготовила небольшой урок, где наглядно показала основные принципы финализации. Вот он:
«Иногда студенты промахиваются с выбором цветов по насыщенности/тону, что ведет к разного рода сложностям в их восприятии. Эти ошибки встречаются не очень часто, обычно студенты справляются с этим этапом хорошо». Елена Курлыкова
Это можно быстро исправить при помощи цветокоррекции опираясь на примеры из лекций или референсы.
Хотя на курсе делается особый упор на то что линия должна быть корявой, и нужно думать о форме, а не о лайне, но за время практики лайнарт у студентов прогрессирует. Как так?
С чем связаны проблемы с лайнартов у новичков? С тем, что они не понимают форму и как она себя ведет. Поэтому они не уверены, где какую линию провести, и рисуют много лишнего: штрихов, линий, изгибов. Когда ты способен выразить свою мысль формой, без многочисленных огрехов, твой лайнарт через какое-то время сам по себе станет оптимальным.
Курс длится четыре недели. Это минимальный достаточный срок, за который можно дать самую емкую базу и приучить людей к регулярной работе и постоянному скетчингу. Желательно при этом, чтобы студент тратил хотя бы от шести до десяти часов в неделю на практику.
Естественно, скорость обучения и обстоятельства у всех разные, и даже отличникам нужно закрепить знания. Мы решили не делать курс дольше, и следовательно, дороже. Вместо этого придумали челлендж для выпускников, который должен помочь отточить навыки, полученные на курсе. Подобные челленджи есть на всех стартовых курсах.
Челлендж простой по сути — выпускники должны нарисовать 300 скетчей, сдать их преподавателю и получить бонусную лекцию в подарок.
Почему триста? Ответим словами автора курса Ивана Смирнова.
Вам нужно будет время на наработку механических и креативных навыков. Понимание некоторых вещей приходит с практикой, спустя далеко не первый скетч. Все упирается в количество контента. Мы могли бы продлить курс и включить эти 300 скетчей в программу, но это было бы дорого и не так эффективно. Большинство наших курсов устроены так, чтобы дать оптимальное количество знаний за адекватный период времени. После студенты могут в удобном им темпе осмыслить информацию. Мы пробовали более длинные форматы, но студентам сложно долго учиться так интенсивно. Практика показала, что формат “курс + челлендж” — самый эффективный.
Триста скетчей — вполне реальная цифра, учитывая что с практикой вы начнете рисовать намного быстрее. По признанию Ивана, чтобы начать быстро работать, ему нужна разминка, чтобы настроиться на нужный темп. После нее он сильно ускоряется и тратит в среднем по паре минут на поисковый скетч.
Желание! И еще несколько простых вещей:
Мне больно читать подобные статьи, ведь мои скетчи выглядят как рисунки ребенка с задержкой в развитии. Хотя мб и похуже слегонца
Так они и должны так выглядеть. Красивыми и прикольным они получаются если их постоянно рисовать. Рисование это не талант и не божья благодать, а всего- лишь навык, который вырабатывается, как любой навык, практикой. Поэтому в курсе ты должен нарисовать триста скетчей. И то это не финальная число я уверен, а просто для затравки, для начала, чтобы у тебя более менее начало получаться. А рисовать эти скетчи ты должен пока не помрешь.
Ну да, скетчи еще важно рисовать чтобы руку набить. И чтобы понимать как фиксировать на бумаге разные объекты так, чтобы отличить сову от собаки)
Работы
Наши картины
Ученики в процессе обучения рисованию часто задают вопрос: «А какими красками мы будем рисовать?»
Однозначного ответа нет. Необходимо на стадии выбора учесть несколько нюансов:
Что сложнее рисовать: портрет, пейзаж или натюрморт?
 |  |  |
Самой сложной из этих трех групп по изучению формы является портрет. Чтобы быть на высоте в портретной живописи, надо знать рисунок в совершенстве.
Наиболее доступным по технике является пейзаж. Формы природы более просты по своим кривым, чем линии человеческого тела. При рисовании пейзажа художник более свободен, чем, например, при рисовании головы человека, где малейшее отступление от формы бросается в глаза. Чуть-чуть на сторону нарисованный нос бросается в глаза, не только специалисту, но, просто, любому из публики.
Поэтому, обучение рисованию взрослых и детей в нашей школе, сначала включает натюрморт, животных, затем пейзаж, а потом только человека.
Обучение рисованию взрослых в нашей школе делится на отрасли: на пейзаж, портрет, историческую живопись и Nature Morte. Высшей целью во всех отраслях является картина.
Для создания картины необходимо уменье рисовать и писать красками; и то и другое должно быть развито совершенно равномерно.
Главным фундаментом в нашей школе рисования является форма, т.е. рисунок. Только когда вы основательно поработали с рисунком вы можете приступить к живописи! В связи с чем, обучение рисованию в нашей школе начинается с рисунка, а именно Базового курса.
Начните обучение рисованию в любой момент в любой из наших студий
Что труднее рисовать?
Работа во всех жанрах изобразительного искусства требует таланта. А талант — не только природные качества. Грош цена любой одаренности, если она не сочетается с работой — упорной, каждодневной, целенаправленной.
Что трудней рисовать? Все рисовать трудно и вместе с тем радостно, если стремишься правдиво, выразительно передать то, что привлекло, поразило. Однако пройдя солидную школу рисунка, живописи, композиции, основательно изучив перспективу, цветоведение, анатомию, умея передавать тоновые и цветовые отношения, многие живописцы, графики, скульпторы специализируются за редким исключением в каком-либо одном жанре изобразительного искусства.
Художник учится всю жизнь, но, как известно, особенно важный период — школьные годы, когда закладывается фундамент будущего профессионального творчества. Именно на этом этапе у многих художников возникает предпочтение к той или иной тематике.
Изображая человека, мало передать внешнее сходство. А чтобы добиться большего — раскрыть внутренний мир, нужно, помимо свободного владения техникой, быть психологом, очень наблюдательным, вдумчивым. Приходит все это не сразу.
Нелегко изображать и животных. Прежде всего их надо любить и — это не оговорка — уважать. Ведь в каждом так много неповторимости, жизнелюбия. И каждое по-своему красиво. Животное не заставишь позировать, поэтому тут нечего делать без отличной зрительной памяти, подкрепленной знанием поведения, привычек собак, кошек, лошадей и других «братьев наших меньших». Художников-анималистов не так-то много, но все они отзывчивые люди.
Устинов Тимофей. Морской гигант.
Бумага, гуашь. 2009.
Казалось бы, проще всего быть пейзажистом. Пишешь с натуры никому не знакомую местность и переставляешь как душе угодно холмы, деревья, дома. Лишь бы «красиво» получилось. Не тут-то было! Можно, конечно, внести изменения в композицию, но если нарушены законы перспективы, допущены ошибки в отношениях, пропорциях, то это тотчас будет замечено даже малоискушенным зрителем. В то же время безукоризненно выполненный пейзаж может быть настолько скучным и невыразительным, что отдашь предпочтение работе не слишком грамотной, но написанной с душой. Естественно, лучший вариант – сочетание мастерства и вдохновения.
Пейзаж может — и должен!— передать настроение, переживания художника. Воспеть Родину, пробудив в зрителе чувство гордости за красоту ее лесов, полей, озер. Сейчас, когда столь остры проблемы экологии, труд пейзажиста приобрел особое значение.
Если ты пейзажист, то обязательно придется изображать деревья, кустарники, травы, цветы. А это сложно. Желая, к примеру, запечатлеть яблоню, можно «запутаться» в ее ветвях, листве, «заблудиться» в густой кроне, наделать ошибок в передаче характера дерева, планов. Следовательно, не обойтись без изучения анатомии растений,их различий. Иначе ель станет похожей на сосну, а осина на липу. Чтобы не запутаться в деталях — а их в пейзаже, особенно на переднем плане, много,— важно научиться охватывать взглядом все предметы разом, большими массами, одновременно не упуская из вида их конструкцию, не отказываясь, где надо,и от детализации.
Уметь — еще так мало! Не увлекся, не загорелся желанием запечатлеть человека, животное, ландшафт — ничего не выйдет. Это не значит, что в плохом настроении или утомленном лучше работу не начинать. Говорят, аппетит приходит с едой. Начнешь этюд без особого подъема, постепенно улетучатся все лишние мысли, уйдешь с головой в творчество и. может ничего не получиться. Все случается! Если опустить руки и неделю не рисовать, если работать, ожидая наития, вряд ли станешь художником. Ведь вдохновение рождается трудом.
Вот и выходит, что все рисовать сложно — людей, зверей, пейзажи. И в то же время радостно, если не можешь не рисовать.
А.Алехин, кандидат искусствоведения
Как самоучке научиться рисовать как профессионал
Я уверен, что изобразительное искусство одно из сложнейших умений, которое может развить в себе человек. Передавать реальность на холст требует понимания как самых основ миростроения, так и самых её скрытых частей.
Чтобы научиться передавать реальность или что-то близкое к реальности, каждому художнику требуется пройти свой долгий путь, кто-то проходит его чуть быстрее, кто-то чуть дольше, но факт остаётся фактом, чтобы достичь уровня художественного мастерства людям приходится учиться буквально всю жизнь.
Рисую я 3.5 года и за это время я нарисовал 902 работы, считая стадики, наброски и т.д. и за это время я достиг около среднего уровня и всё ещё являюсь начинающим художником. Поэтому советы, которые я перечислю ниже будут скорее для меня самого, но год назад.
Мои работы можно просмотреть на artstation и в моей группе во вконтакте:
Никогда не зазнавайся. Рано или поздно труды художника всегда вознаграждаются, будучи неумёхой — у вас когда-нибудь получится нарисовать красивый рисунок и это будет настоящей проверкой на прочность. Одна из сложностей самообразования в том, что некому дать тебе по башке, когда ты сочтёшь, что всему научился.
Я около года рисовал портреты по плечи, был счастлив и считал, что я крут. Как только нужно было нарисовать что-то другое нежели лицо, то тут я отворачивался и говорил, что делать я этого не собираюсь.
Да, эта та самая зона комфорта и я скажу банальное: надо из неё себя выводить как можно чаще, иначе прогресса не будет.
Один из способов прокачки — рисовать каждый день!
Как видно по статистике, что я показал выше, раньше я рисовал реже. В 2017—2018 годах я занимался этим скорее как хобби, рисовал портреты и делал миллион перерисовок толком не создавая чего-то своего. В 2019 году я понял, что я хочу стать крутым художником, но всё ещё оценивал эту деятельность как возможно дополнительный способ заработка к основному.
В 2020 я понял, что я не хочу заниматься ничем, кроме как малевать стилусом по планшету и именно в 2020 году я поставил себе цель рисовать каждый день.
Вначале было сложно, как бы я не любил рисовать, иногда хочется просто посидеть посмотреть фильм или подеградировать над видосами на ютубе. Так что я начал рисовать заранее, рисовал на пару дней вперёд, чтобы когда захотелось отдохнуть — я мог бы себе это позволить.
Но весной начался кризис (как экономический так и моральный) и исправил я его при помощи статистики.
Как можно было заметить, я обожаю цифры, статистику и графики. Я в какой-то момент начал подписывать к папкам с рисунками цифры с количеством этих самых рисунков за месяц, это придавало мотивации к ежедневному рисованию, я понял это и решил развить эту тему. В итоге я создал эксель документ с подробной статистикой по моим рисункам за 3.5 года.
С визуальной статистикой гораздо проще видеть свою лень, я мог посмотреть в каком месяце больше всего пинал свой болт и это, как ни странно, вызывало у меня чувство стыда. Смотря на скриншот выше, можно понять в каком месяце я начал вести подробную статистику, да, это июль. После июля я начал идти наперёд, так как понял, что я пропинал апрель, май и июнь.
Определённо стоило, сейчас, в феврале 2021, я отказался от статистики и каких-либо других мотиваторов рисовать. Сейчас февраль, а по плану я уже в марте. Пинать самого себя уже не требуется, за год у меня выработалась привычка рисовать ежедневно и это стало суточной нормой. Теперь я работаю лишь над длительностью своих тренировочных работ и их осознанностью.
А про мои осознания какой я лох вообще молчу, ибо рисуя каждый день ты хочешь не хочешь находишь свои слабые стороны, а у меня их в начале года было не мало и вот так весь год я делал их сильнее.
Но изменения художника не всегда заметны на его картинах, хоть и видна разница качества в портрете, что я показал выше, но своим главным достижением я считаю получение возможности создать собственное виденье. Мудро-пудро написал, в общем теперь я могу создать своего персонажа, который будет меня устраивать в плане реализма, создать реалистичный пейзаж, которого нет в природе и так далее.
На мой взгляд это отличает профессионала от любителя, профессионал использует знания накопленные за несколько лет, чтобы создавать свою реальность, а не копировать чужую.
В интернете легко найти десятки рисунков срисованных с фотографий, много людей (в том числе и я это делал) занимаются тем, что просто берут понравившуюся фотографию и перерисовывают её. Это не плохо и не хорошо, но профессионала это из вас не сделает.
В этом и есть главная сложность рисования, с помощью референсов, знаний и опыта, художник должен воссоздать реальность. Когда художник достигает планки знаний и опыта он становится действительно свободным.
Я выделяю шесть фундаментальных вещей в рисовании:
Я самоучка, поэтому для меня их именно шесть и в них подкатегории, типа в Построение\Формы я засовываю анатомию, потому что для меня анатомия это набор простых форм, также я туда засовываю перспективу, потому что построение и перспектива это неотделимые понятия и т.д.
Я стараюсь рисовать так, чтобы каждый этот пункт с каждой новой полноценкой становился сильнее, причём желательно чтобы они шли параллельно друг-другу. К примеру я разберу собственный рисунок, на нём изображена неуверенная девушка солдат низкого ранга:
Я предлагаю Вам посмотреть на рисунок и предположить где в нём самые слабые стороны (по списку из шести фундаментальных вещей), а где сильные, потом уже прочитать моё мнение.
В этой работе я действительно доволен материалами, смотря на одежду лично мне понятно где какой материал, но рисунок просел в истории, для концепт-арта это неправильно, на рисунке изображена хрупкая девушка солдат низкого ранга. Задумавшись, внимательный зритель заметит, что у неё есть меч. «Меч? У простого солдата?» — вот этого я и не учёл, как говорится плохо изучил предметную область.
Построение — наплечник на левой руке так бы никогда не висел, он должен быть завёрнут.
Свет — странные тени по краям на одежде, художник (я) явно не понимал как это работает.
Анатомия — проблема даже скорее не в ней, а в том, как лежит одежда. Её правая рука немного загнута, но на рисунке этого не видно из-за того, что одежда на руке не прогнулась.
Поза — это подкатегория истории. Я спрашивал у более старших коллег и некоторых из них сказали, что поза даёт понять о неуверенности девушки как солдата, а некоторые сказали, что поза вообще непонятная и никуда не годиться. Я скорее соглашусь со вторыми, потому что над позой я корпел меньше всего и действительно не учёл, что это одна из важнейших частей рисунка.
В общем и целом, остальные моменты сделаны либо на среднем, либо на «сойдёт» уровне, так что работу вполне можно считать успешной, но это не значит, что нужно забывать про минусы и плюсы.
Зачем я вообще это рассказываю, после каждой полноценки стоит проводить разбор и отдавать работу на фидбек более крутым художникам. Задача: найти слабые стороны и улучшить их.
Именно после этого рисунка я начал изучать позу и подробнее думать о персонаже во время скетча. Если ты самоучка, то тебе придётся учиться на своих ошибках и если об ошибках не задумываться, то художник так и останется на низком уровне.
Всё просто — стадики. Те самые перерисовки фотографий, которые я хейтил выше. Ладно, это немного разные вещи. Стадики — это тренировочные работы, цель таких работ улучшить конкретное умение.
Художник понимает, что у него есть пробел в знаниях анатомии торса, он выбирает одну фотографию с которой будет срисовывать и собирает десятки вспомогательных фотографий, будь-то расположение мышц, обрубовка или разбор скелета.
Срисовывая со стадика художник анализирует каждую срисовываемую часть. Если они рисует грудную мышцу, он должен понять, как это мышца выглядит с разных ракурсов, должен понять её форму, должен понять куда она идёт и как устроена — тут и приходит на помощь вспомогательный материал на который художник просто посмотрит и проанализирует, а если не лень, то быстро зарисует.
Если художник метит в геймдев на позицию концепт-артиста, то ему явно надо нагнать базу. Для того, чтобы понять как работает концептер есть курсы… и некоторые из них есть на всеми известных сайтах в бесплатном варианте. Также есть статьи и видео на ютубе. Постаравшись всегда можно найти абсолютно бесплатный материал.
Ниже я порекомендую каналы, которые помогли лично мне:
Умение рисовать развивается только когда художник постоянно думает, думает о том, что в рисунке не так, думает у кого бы попросить фидбек, почему тень падает с этой стороны, почему рефлекс отдаётся с этой и откуда вообще у солдата меч. Именно желание искать свои слабые стороны и делать их сильными — и даёт самоучке тот толчок к развитию, которого нет у многих людей, которые занимаются с преподавателями. Потому что человек зажжённый делом — всегда найдёт способ стать лучше.